Girbent. Paisajes del inconsciente.

La historia del paisaje en pintura empieza, según la historia del arte, a tratarse de forma autónoma con Constable, como búsqueda en las actitudes del hombre moderno ante la realidad natural. Después, con Turner, el paisaje se convierte en una percepción abstracta de tormentas de aire e infinito espacio que envuelve al hombre en su lucha contra una naturaleza indomable. Con Corot, la realidad del paisaje se transforma en una experiencia que el hombre forzosamente ha de vivir y contemplar no como objeto, sino como motivo de sentimiento.

Y ese sentimiento es el que toma Paul Cézanne como experimento de una percepción interior de la realidad, lo que llevaría a los cubistas a retomarla como una realidad científica de la visión en el plano de la superficie pintada. Después, con el tiempo y con la llegada de la abstracción, el paisaje se convirtió en un género secundario y menor en consecuencia.

Es extraño en el panorama actual ver alguna muestra en la cual el paisaje sea tratado como tema de introspección o motivo de percepción exterior, como es en el caso de Pep Girbent (Sóller, 1966).

Pep Girbent, en sus comienzos, fue un artista del dibujo, entendiendo éste como el procedimiento académico tradicional por el cual cualquier artista accede a la realidad y es la que nos envuelve y determina y que únicamente él posibilita de forma personal su accesibilidad para su conocimiento perceptivo en todos nosotros.

Es innegable el conocimiento que tiene Girbent de la historia del arte. Sus paisajes, en la galería Horrach Moyà de Palma, no son tales, sino más bien pinturas tratadas de la forma más trascendental en su superficie y dividida ésta en espacios monocromos y en la cual el paso de la mano del artista es importante por su presencia en la forma como lo hacía la abstracción. Por consiguiente, la superficie se torna rugosa por la misma pasta del color, y el color se convierte en su protagonista como medio para llegar a la expresión del mismo paisaje. El resultado de todo este concepto es representado por el artista no sobre un soporte tradicional, como puede ser la tela o la tabla, sino sobre una superficie aún más dura y fría como es la del aluminio.

De éste modo, la llamada del arte de la fotografía está ya implícita en el soporte, en el paisaje como tema y como fondo. En efecto, con el aluminio, es más dócil representar los contornos de los naturales objetos como las hojas, la hierba, los árboles o la misma nube en sus movimientos originales causados por el aire. A esto se añade la mirada del artista en una fracción del tiempo, cual una fotografía se tratara, la inconsistencia del momento tomado, y encuadrado sobre el alumnio nos desvela paisajes de un subconsciente de vago recuerdo y de recóndito lugar.

Una pintura, por otra parte, de resultados abstractos y que tiene su origen en la concepción del espacio que tenía Rotkho, de ahí que nos es ya familiar algunas piezas representadas por su connotación con el abstraccionismo. Girbent, aun así, lo resuelve de una forma personal en su quehacer artístico. En efecto, presenta con oscuridades formales alguna que otra de las piezas de la exposición, donde deja entrever sensaciones abstractas mediante finas y oscuras veladuras en la superficie del metal, logrando en sus aspectos formales un paisaje algo tenebroso y fantasmagórico como resultado final.

El paisaje se convierte en un recuerdo y, como demostró Freud, se deposita de forma latente en un lugar existente en el espacio y el tiempo de nuestro inconsciente. El mundo visto así adquiere un carácter enigmático y fugaz, como la alucinación y el sueño. Son conocidas las imágenes por pertenecer a la filmografía de Andréi Tarkovski, por lo que Pep Girbent representa esa inconsciencia de forma brumosa, plana sobre el soporte frío elegido y con algo de consistencia en la pasta del color, de oscuros tonos al mismo tiempo, para llegar a su realismo: no es un sueño, es un recuerdo de algún lugar, un paisaje que en cualquier momento retorna y nos lo podremos volver a encontrar. Paisajes que son espacios, tiempos vividos, aire, hierba, árboles e incluso nuestra posible presencia. Todo un mundo de experiencias.

En conclusión, el artista, rinde homenaje no sólo a la fotografía por medio de la pintura, si no también al arte del cine, el arte por el cual las imágenes pueden ser fácilmente almacenadas mediante el “shock” en la psique de las personas que lo contempla. Girbent, conjugando diferentes modos de arte que en sus conceptos se aproximan, realiza una pintura que puede dar expresión al sueño colectivo. Todo puede fotografiarse por medio de la pintura, incluso si esas imágenes las guardamos en nuestro interior.